• Todas menos Una


    Un interesante recurso fotográfico son los encuadres en los que existen repeticiones de sujetos en la misma actitud/disposición con la excepción de uno de ellos.

    Esta fotografía fue tomada en la Plaza de la Corredera de Córdoba. Tras buscar durante un rato el encuadre por los balcones, encontré este en el que todas las persianas estaban echadas menos una.

    An interesting photographic resort is a frame in which there exists a repetition of subjects with the same attitude/layout with the exception of only one of them.

    This photograph was taken in the Corredera Square in Córdoba. After spending some time looking for a frame of the balconies I found this; in which all the blinds are down except one.

    Todas menos Una - jgarcía © 2006 -

    Cámara Nikon D200
    Abertura f5
    Velocidad 1/160sg
    Longitud focal 46mm
    ISO 100

  • El Empastado: Imagen sin Contraste


    En muchas ocasiones me han preguntado que queremos decir los amantes de la fotografía cuando calificamos a una imagen de empastada.

    Many times I have been asked what we photography lovers mean when we describe an image as “empastada”.

    Una fotografía en blanco y negro empastada es una imagen que carece de matices, en la que predominan los grises… que necesita contraste.

    Pesquero empastado - jgarcía © 2006 -

    Como podemos comprobar, el Histograma no se encuentra distribuido uniformemente a lo largo del eje de abscisas, sino que existe una acumulación de frecuencias en la primera mitad de los valores.

    As we can see, the histogram is not uniformly distributed along the horizontal axis, and there exists an accumulation of frequencies in the first half of its values.

    En esta segunda versión podemos ver que el Histograma se encuentra más distribuido, lo que significa que se trata de una imagen más contrastada que la anterior, con un mayor número de matices, y por tanto,de mayor atractivo.

    In this second version we can see that the histogram is more equally distributed, which means that the image has more contrast than the previous one, with a higher number of shades, and so, is more attractive to the eye.
  • Filtros de Colores


    Filtros de coloresLos filtros de colores han sido utilizados por los grandes fotógrafos a lo largo de la historia para obtener impactantes fotografías en blanco y negro.

    Ansel Adams los utilizó en su extraordinariaos paisajes en blanco y negro del parque nacional Yosemite en Estados Unidos.

    Los filtros de colores bloquean los colores complementarios (aquellos colores diametralmente opuestos en el círculo cromático) . Por ejemplo, un filtro amarillo bloquea la luz azul y permite el paso del verde y rojo.

    Cuatro de los filtros de colores más utilizados:

    1. Filtro Amarillo. Realza las nubes y oscurece los cielos azules.
    2. Filtro Naranja. Realza las nubes más que el filtro amarillo.
    3. Filtro Rojo. Oscurece los cielos azules, produciendo un efecto impactante.
    4. Filtro Verde. Oscurece los cielos y aclara la vegetación.

    Ansel Adams declaró: «Espero ansioso nuevos procesos y nuevos desarrollos. Creo que la imagen electrónica será el próximo gran avance. Estos sistemas tendrán características estructurales ineludibles, y tanto los artistas como los técnicos deberán hacer un renovado esfuerzo para comprenderlos y controlarlos»

    Hoy en día podemos simular el efecto de los filtros durante el postprocesado con programas específicos como Harry’s Filters o con PhotoShop.

    Para simular el uso de filtros de colores con PhotoShop para obtener fotografías en blanco y negro debemos seguir los siguientes pasos:

    1.- Abrir la imagen.
    2.- Capa/Nueva Capa de Ajuste/Filtro de Fotografía.
    3.- Seleccionar el color del Filtro y ajustar la Densidad.
    4.- Capa/Nueva Capa de Ajuste/Mezclador de Canales.
    5.- Activar la casilla de verificación Monocromo que está en la esquina inferior izquierda del cuadro de diálogo.
    6.- Experimenta cambiando los valores de cada canal, de forma que cuando tengas un canal al 100% los otros dos estén al 0%. Esto son extremos con los valores al 100% de un sólo color, mézclalos como quieras utilizando los deslizadores para aumentar o restar las cantidades que aporta cada unos de los canales a la imagen, así obtendrás las tonalidades blancas y negras que prefieras. Las cantidades variarán dependiendo de cada imagen y de cuánto quieras que aporte cada canal, sólo intenta asegurarte de que el total de la mezcla ronde el 100%.

    Como ejemplo veremos tres resultados:

    Filtro Amarillo

    Rocas Filtro Amarillo - jgarcía © 2006 -

    Filtro Naranja

    Rocas Filtro Naranjo - jgarcía © 2006

    Filtro Violeta

    Rocas Filtro Violeta - jgarcía © 2006

    VER VIDEOTUTORIAL

  • Fotografía con Nieve


    Cuando realizamos fotografías de paisajes nevados debemos tener la precaución de abrir hasta dos puntos el diafragma para conseguir una nieve blanca y brillante, pues la excesiva luz reflejada engañará al fotómetro y por tanto obtendremos fotografías oscuras y con la nieve gris.

    En este caso, en lugar de una f11,que me indicaba el fotómetro de la cámara, usé una f8.
    Quejigo entre la nieve - jgarcía © 2006 -

    Cámara Nikon D200
    Abertura f8
    Velocidad 1/100sg
    ISO 200

  • Fotografía Conceptual


    El arte conceptual fue descrito por el artista Sol LeWitt likzae como:

    En el arte conceptual la idea o el concepto es la parte más importante del trabajo. Cuando un artista utiliza una forma conceptual de arte, significa que todo el planeamiento y las decisiones está hecho de antemano y la ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte en una maquina que hace el arte.

    Esta corriente irrumpe en Estados Unidos hacia 1970 y el término lo acuña Edward Kienholz, ya hacia 1974- 75, sus planteamientos se agotaron provocando en las nuevas generaciones una revisión hacia el arte tradicional.

    Según Nicolas Mohamed:

    La fotografía conceptual apunta a que la obra no tenga un objeto principal que la describa sino que tenga una idea detrás, una interpretación que pueda ser encontrada en la composición de la misma.

    En esta foto podemos observar como entre una multitud de garbanzos «convencionales» se encuentra uno «discordante«: el garbanzo negro. En la vida podemos sentirnos muchas veces como el garbanzo negro…

    Garbanzo negro - jgarcía © 2006 -

  • Fotografía Arquitectónica


    Es uno de los géneros fotográficos con mayor complejidad, pues es fácil caer en la repetición y eso nos llevará a la monotonía y por tanto a la falta de interés del espectador, que es lo último que desea producir el fotógrafo con sus imágenes.

    La clave del éxito de las fotografías elementos arquitectónicos está en:

    1. La perspectiva.
    2. El punto de vista.
    3. La luz.
    4. El enfoque.
    5. Los detalles.

    La perspectiva es el punto de vista con el que se observan los objetos situados frente a nosotros. La perspectiva sitúa al observador en un punto estacionario y que mira a otro punto en la distancia denominado centro de visión.

    La perspertiva es la responsable que nuestras tomas sugieran tridimensionalidad y no sean planas.

    En la fotografía arquitectónica podemos utilizar varias perspectivas:

    1. Perspectiva con punto de fuga.
    2. Perspectiva con dos puntos de fuga.
    3. Perspectiva con tres puntos de fuga.

    El punto de vista se podría definir como la elección del angulo de encuadre. Existen puntos de vista:

    1. A nivel (desde el mismo nivel del sujeto)
    2. Picado (desde una posición más alta que el sujeto)
    3. Contrapicado(desde una posición más baja que el sujeto)
    4. Cenital (en posición perpendicular con respecto al suelo)

    La luz lateral aportará mayor efecto tridimensional que la cenital, porque aportará interesantes sombras.

    La búsqueda de la nitidez en nuestras tomas debe ser una prioridad. Con velocidades rápidas y aberturas de diafragma pequeñas evitaremos imágenes movidas y grandes profundidades de campo.

    Los detalles arquitectónicos ofrecen grandes posibilidades para el fotógrafo que busca imágenes cautivadoras. Cuando miramos un edificio debemos dedicar un rato en examinarlo con minuciosidad, de esa manera encontraremos esos detalles que pueden ser la clave del éxito de nuestras fotografías.

    Las líneas diagonales, paralelas, perpendiculares y las curvas son los elementos con los que intentaremos que cada toma sea diferente.

    En esta toma me llamó la atención que todas las ventanas estuvieran cerradas menos una.
    No todas las puertas están cerradas - jgarcía © 2005 -
    La luz lateral proporciona unas interesantes sombras en los huecos de las ventanas que aportan tridimensionalidad a esta toma.
    Ventanas - jgarcía © 2005 -
    Un arriesgado punto de vista que defíne una línea diagonal que divide la imagen en dos espacios complementarios.
    Diagonal - jgarcía © 2005 -

    Precisión de mi amigo Briksdal:

    En fotografia toda la perspectiva que se obtiene es siempre perspectiva conica (con 1, 2 o 3 puntos de fuga segun el encuadre que tomemos).
    Las perspectivas isometrica y caballera son asimilaciones de la realidad para ser representadas en papel, y se refiere mas al numero de ejes que se representan en papel.

  • Los Cortes


    Aunque son arriesgados, los cortes en los retratos producen un gran impacto en la fotografía final.

    En este caso podemos comprobar como encuadrar la mitad del rostro de la modelo, puede producir un resultado distinto, intrigante y por supuesto…menos convencional.

    Sandra 8967 - jgarcía © 2005 -
  • Caja de Luz


    Enric Moreno me ha animado a que escribiera un artículo sobre las Cajas de Luz, y a como se pueden construir de forma «casera«.

    Una Caja de Luz es un elemento de iluminación de estudio que proyecta una luz difusa, por lo que minimiza las sombras de nuestros sujetos.

    Nuestra amiga Nina publicó hace mucho tiempo un artículo titulado Caja de Luz o SOFBOX en casa! en el que explicó como se puede fabricar una caja de luz de forma artesanal.

    Construcción de una Caja de Luz según Nina

    De todos modos os aconsejo que echéis un vistazo por la Red y veáis los diversos modelos de cajas de luz que están a la venta, porque cada día están más baratas.

  • 7 Claves del Retrato


    Un retrato es una fotografía de una persona, más concretamente del rostro. Simplemente eso. Pero, generalmente tiene connotaciones más profundas.

    Por retrato fotográfico se entiende una imagen de alta calidad que además de capturar la semblante física de una persona, plasman el carácter de la persona, generalmente de una manera cautivadora.

    A continuación enumero varios consejos para mejorar nuestros retratos:

    1.- Crear un buen ambiente. El modelo debe encontrarse cómodo y para ello podemos mantener una conversación jocosa, incluso gastar alguna broma. Nuestro objetivo debe ser romper el hielo y que el modelo olvide a la cámara.

    2.- Utilizar una óptica idónea. Un objetivo interesante para el retrato es el 85-135mm, es decir, un teleobjetivo medio.

    Cuidado con las longitudes focales grandes (angulares), porque distorsionan los rostros si el sujeto se encuentra muy cerca o la cámara está inclinada.

    3.- No olvidarnos del fondo. El fondo también importa. Procura localizar fondos neutros y, si es posible, desenfócalos. Nuestro objetivo es evitar los fondos confusos que quiten protagonismo al sujeto.

    4.- Maquillaje. Sombras de ojos, rímel en las pestañas, polvos de base para evitar brillos en la piel y brillo de labios suelen mejorar los retratos femeninos.

    5.- La luz. La disposición básica de iluminación en estudio implica dos luces: una luz principal ( a la izquierda de la cámara a unos 45º) y una luz secundaria menos intensa que suaviza las sombras (a la derecha a unos 45º de la cámara).
    Un esquema con el que se obtienen resultados más glamourosos que con el esquema anterior (45º/45º) es con un reflector con paragüas sobre la cámara y otro de relleno a la derecha.

    No hay que olvidar que con la luz natural podemos obtener resultados sorprendentes. La luz proporcionada por el Sol al final del día es muy apropiada.

    Otra recomendable fuente de iluminación natural son las ventanas. Podemos colocar a nuestros sujetos cerca de la ventana, y utilizar una cartulina blanca como reflector de relleno.

    Más sobre iluminación en FotoPunto de nuestro amigo Loren.

    6.- La altura de la cámara. Generalmente la mejor altura a la que debemos obtener los retratos nos la marcará la altura de los ojos de nuestros protagonistas. Os recomiendo que hagáis una prueba: sacar tres fotos, una con la cámara a nivel de los ojos del sujeto, otra por encima y otra por debajo. Veréis la diferencia.

    7.- El encuadre. Podemos utilizar los siguientes:

    1. Primerísimo plano. Parte del rostro.
    2. Primer plano. El rostro ocupa la totalidad de la imagen.
    3. Plano medio. Rostro, hombros y pecho, hasta codos.
    4. Plano americano. De la rodilla hacia arriba.
    5. Plano general. Vista completa del sujeto y parte de su entorno.

    Ver planos.
    Más información sobre composición del retrato en Caborian.

  • Las Líneas Dominantes


    Las líneas dominantes (horizontales, verticales, curvas u oblicuas) son un recurso que facilita la exitosa composición de nuestras fotografías.

    1. Las líneas horizontales, transmiten paz y tranquilidad, enfatizando la profundidad de la escena.
    2. Las líneas verticales acentúan la magnitud del sujeto.
    3. Las líneas curvas y oblicuas aportan dinamismo a la composición, puesto que el espectador recorre la línea de manera natural, generando una sensación de paz y tranquilidad.

    La utilización de las líneas curvas en forma de S, es una de los métodos más recurrentes de composición, pues transmite belleza y armonía. El espectador sigue instintivamente la curva hasta alcanzar el principal centro de interés o hasta recorrer por completo la imagen.
    Camino al hoyo 13 - jgarcía © 2005 -

    No dejar de leer el artículo La Línea Fotográfica y el Diseño por Vicente Viola.


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